Художник Нихад Агазаде: Стать художником это не осознанный выбор, а внутреннее призвание ФОТО

Нихад Агазаде – один из самых ярких представителей современного азербайджанского искусства, чьи работы покоряют мировые выставочные пространства.

Окончив Азербайджанскую государственную академию искусств, он с 2015 года активно участвует в выставках как в родной стране, так и за рубежом. Его картины уже были представлены Лувре в Париже (зал Carousel du Louvre), выставочном центре «Манеж» в Москве, а также на многочисленных выставках в Турции и Люксембурге. Одна из последних его побед - премия Best Asian Pavilion Artist на выставке World Art Dubai в Дубае в 2024 году, он стал первым азербайджанским художником, удостоенным этой награды.

В интервью 1news.az Нихад Агазаде поделился своими мыслями о том, что скрывается за его картинами, о том, сможет ли искусственный интеллект когда-нибудь заменить настоящего художника, и не только.

«Мой художественный стиль представляет собой синтез классических и современных элементов. В своих работах я исследую образы человека и его эмоциональный мир. Каждое мое произведение — это история, и моя цель — поделиться этой историей со зрителем. Я стремлюсь через детали и игру света погрузить зрителя в работу и открыть ему новый взгляд на мир».

- Нихад, почему вы решили посвятить свою жизнь искусству?

- Мое увлечение искусством началось в возрасте 3–4 лет, когда я впервые взял в руки карандаш. Родители, заметив мой интерес, отвели меня в творческий центр имени Тофига Исмаилова, где я прошел начальное обучение. Они видели во мне потенциал и решили, что я должен продолжить обучение на профессиональном уровне. Я чувствую себя невероятно счастливым, ведь с пятилетнего возраста родители всегда поддерживали меня в моих начинаниях, и эта поддержка сохраняется до сих пор.

Я убежден, что стать художником — это не осознанный выбор, а внутреннее призвание. Если оно у тебя есть, то в любом возрасте и в любой период жизни оно будет проявляться. У меня всегда было желание визуализировать увиденное так, как я это чувствую. В детстве это было так, и в 27 лет это остается неизменным.

- Кто оказал на вас наибольшее влияние в начале творческого пути?

- Однажды родители решили показать мои работы народному художнику Азербайджана Сакиту Мамедову. Он посмотрел мои рисунки и, вероятно, увидел в них что-то, чего не замечали другие, — и ему понравилось. Так я начал делать свои первые шаги в профессиональном искусстве в его мастерской.

За все эти годы Сакит муаллим научил меня бесчисленному количеству вещей. Но самое важное, чему он меня научил, — это «учиться». Он всегда придерживался принципа: «Живописи не учат, ее изучают». И, на мой взгляд, в истории было очень мало художников, которые могли бы привить своим ученикам бесконечное желание учиться. Поэтому однозначно - Сакит Мамедов и оказал наибольшее влияние на мой творческий путь.

- Что является для вас источником вдохновения?

- Меня вдохновляет сама жизнь, люди, их мимика, жесты, эмоции. Каждое лицо — это история, которую хочется рассказать через искусство. Взгляд, улыбка или даже едва уловимое движение рук — это как язык, которым говорит душа.

Портреты становятся не просто изображениями, а отражением того, что скрыто внутри, и это для меня бесконечный источник вдохновения.

Поэтому большая часть моих работ —портреты и фигуры. Это - бесконечная тема. В одном портрете, в одном лице можно передать сотни разных эмоций. В фигуре маленькое движение руки, направление пальца может сыграть ключевую роль в композиции.

Одежда в моих работах — это отдельная тема. Нельзя просто взять любой наряд и применить его к любому портрету. У каждого взгляда, у каждой эмоции есть свое требование к одежде, цветам и позе.

- Как вы подходите к созданию новых работ? У вас есть конкретный план, или это интуитивный процесс?

- Думаю, что большинство художников не строит конкретных планов на эту тему. Это исключительно вопрос чувства. И чтобы не было недопонимания: не настроения, а именно чувства. Здесь не работает принцип: «Сегодня у меня хорошее настроение — нарисую что-то яркое и легкое» или «Настроения нет — лучше займусь чем-то мрачным и глубоким». Не помню, чтобы хоть раз думал: «Закончить бы эту картину, и сразу начну следующую».

Если ты начал новую работу, то думаешь только о ней. Ты отрываешься от мира и живешь перед холстом. Я, например, понимаю, что буду рисовать, просто глядя на чистый холст. Белый холст и энергия, передающаяся от чувства к сознанию, уже рождают идею.

- Бывает ли, что работы идут не так, как вы планировали? Как вы с этим справляетесь?

- У меня не бывает проблем с тем, что работа идет не так, как планировалось. Даже если изначально есть эскизы и продуманные детали, процесс всегда развивается так, как нужно. Все потому, что я не ставлю себе жестких границ или правил. Считаю, что каждый художник должен действовать так, как чувствует, и никто не может навязать ему правильный подход.

Для меня главное — прочувствовать идею сердцем и мысленно подготовиться к процессу. Я планирую до определенного момента, чтобы задать общее направление, а дальше картина словно ведет меня. Я прислушиваюсь к ее требованиям и переношу это на холст.

Когда я начинаю работать, то чувствую полную свободу. Такой подход позволяет моим идеям оставаться целостными, а процессу быть естественным и гармоничным. Именно поэтому мои работы всегда идут так, как нужно.

- Что зритель должен ощущать, смотря на ваши работы?

- У каждой картины есть своя собственная энергия так же, как и у каждого человека. Это касается как абстрактных работ, так и реалистичных. Здесь важнее не то, что видит зритель, а то, как он хочет это видеть.

Одна из тем, часто используемых мною в моих картинах, это образы клоунов и жонглеров. Главная причина, по которой я обращаюсь ней, заключается в том, что в прошлом этих людей считали просто «шутами», но на самом деле они были умными и проницательными личностями. Как я уже говорил, меня всегда интересовало, как за одним взглядом может скрываться сотня различных эмоций. Но для меня важно передать это в легкой, жизнерадостной манере. А смысл картины полностью зависит от восприятия зрителя.

- Сколько времени вы обычно тратите на одну работу?

- Время, необходимое для завершения работы, зависит в первую очередь от ее сложности, но в еще большей степени – от внутренней борьбы между твоей энергией и мыслями. Иногда бывает, что ты планируешь работать над картиной неделю, но завершаешь ее за два-три дня. У меня были картины, которые я заканчивал за один день, а были и те, над которыми я трудился два месяца.

- Многие художники сталкиваются с моментами, когда не знают, что рисовать, или ощущают нехватку вдохновения. Бывали ли у вас такие периоды? Как вы с ними справляетесь?

- Честно говоря, никогда не испытывал такого чувства. В моей голове всегда есть композиции, у меня больше идей, чем готовых работ. По моему мнению, отсутствие вдохновения – это сугубо личный фактор, зависящий от самого человека. Если ты знаешь, чего хочешь, если целый день думаешь о том, какую картину собираешься создать, то у тебя просто не может быть недостатка вдохновения.

С утра до вечера, даже занимаясь чем-то другим, я одной частью сознания всегда думаю о своем искусстве. И если ты полностью погружен в процесс, если знаешь, чего хочешь, если видишь свое будущее на несколько лет вперед, то у тебя не возникнет нехватки идей. Наоборот, 24 часов в сутках будет недостаточно, чтобы перенести на холст все, что есть внутри.

- Что для вас важнее — сам процесс создания работы или ее результат?

- Безусловно, сам процесс важнее всего. Итог работы зависит от пути, который ты прошел, создавая ее. А этот процесс всегда интереснее, чем результат. Иногда даже бывает так, что ты не хочешь завершать работу, намеренно продлеваешь ее, чтобы подольше находиться в этом эмоциональном состоянии. Этот процесс сродни медитации – ты одновременно существуешь в реальном мире и живешь внутри своей картины.

Ты передаешь свою энергию на холст, а он, в свою очередь, отдает ее тебе обратно. Конечно, все это индивидуально – у каждого художника свой подход, все зависит от техники, стиля и жанра. Но для меня самое большое удовольствие – это сам процесс создания картины, несмотря на все усилия и трудности, которые он требует.

- Что в ваших картинах есть всегда, даже если этого не видно?

- В каждом моем произведении есть частичка моих чувств. Каждый зритель видит картину по-своему, дает разные отзывы. Не думаю, что каждый зритель воспримет тот настрой, который я хочу передать, так, как я его вижу. В некоторых моих картинах, однако, можно понять композицию и смысл, глядя на название произведения. Потому что название картины играет важную роль в передаче того смысла, который она несет.

Есть картины, в которые я добавляю едва заметные символические детали. Когда зритель, проанализировав картину, осознает эти символические детали, его интерес к произведению возрастает в два раза. Думаю, что это свойственно большинству людей. Потому что открытие того, что ты не заметил при первом взгляде на объект, всегда вызывает огромный интерес.

- Как вы считаете, искусственный интеллект может заменить художника?

- Искусственный интеллект с технической точки зрения может сделать многое, но там не будет души. В произведениях, созданных руками человека, есть чувства и эмоции, чего AI никогда не сможет достичь. Для каждого художника, скульптора, музыканта самое главное – это передать свою душу и свои чувства.

Произведение без души и энергии, каким бы оно ни было технически великолепным, не привлечет зрителей на выставке, не получит овации на концерте. Так же, как человек не может имитировать чужие чувства, искусственный интеллект не сможет заменить художника.

- Какую картину вам хотелось бы переделать, но вы не решаетесь?

- У меня нет таких картин, которые я хотел бы переделать. Каждое мое произведение —это отражение определенного творческого момента, в котором я чувствую, что оно завершено именно так, как должно быть. Считаю, что всякий раз, когда я работаю над картиной, то вкладываю в нее всю свою идею и все эмоции, и конечный результат всегда остается верен тому, что я хотел передать.

Если когда-либо у меня возникали сомнения или желание что-то изменить, это происходило в процессе работы, а не после ее завершения. Именно в ходе творческого процесса я позволяю себе экспериментировать и корректировать задумку, чтобы в итоге получилась работа, отражающая мои внутренние ощущения в тот момент. Поэтому у меня не возникают ситуации, когда я задумываюсь о переделке уже готового произведения.

- Что бы вы посоветовали будущим художникам?

- Желаю удачи каждому! Никогда не теряйте вдохновения и работайте усердно. Знайте, чего вы хотите, понимайте, как вы видите мир. Каждый человек воспринимает все по-своему, и вся красота жизни как раз в этом.

Каждый человек уникален, и его произведение тоже должно быть уникальным, на мой взгляд. И самое важное – ценить каждую прожитую минуту и не тратить ее впустую. Самое большое богатство в мире – это время, его нельзя купить за деньги. Каждый день учит нас чему-то новому. Для того чтобы учиться, двери должны быть всегда открыты.

Назрин Аллахвердиева